Análisis de Warhammer 40,000: Boltgun 2

Unas armas se dejan empuñar con respeto; otras exigen ser disparadas a gritos. El bólter pertenece a la segunda categoría, y Auroch Digital lo sabe desde que lo puso en manos del jugador en la primera entrega, un shooter de la vieja escuela que entendía el universo de Warhammer 40,000 como un parque de atracciones de ceniza y sangre. Boltgun 2 recoge ese testigo sin pedir permiso, con Big Fan Games y Devolver Digital en la edición, y lo hace con la seguridad de quien ya no necesita demostrar que la fórmula funciona, sino ver hasta dónde se puede estirar antes de que la pólvora se acabe.

La continuación arranca justo donde terminó la primera aventura, y esa continuidad directa marca el tono desde el primer instante. Las introducciones pausadas y los pasillos de cortesía brillan por su ausencia: el deber conduce al jugador a nuevos escenarios a lo largo de una campaña para un solo jugador que se ramifica, y que combina con una naturalidad envidiable la oscuridad grave del universo de Games Workshop con la velocidad de un shooter en primera persona de ritmo furioso. Es una mezcla que podría haber sonado forzada, porque el lore de Warhammer 40,000 gusta de la solemnidad y el boomer shooter de la irreverencia, pero el juego encuentra el punto exacto en el que ambas cosas se retroalimentan. El grimdark se vuelve ridículo y glorioso a la vez, y esa ambigüedad es la que le da su sabor.

La primera novedad de peso es la posibilidad de elegir entre dos protagonistas, cada uno con sus propias habilidades, armas y manera de jugar. Malum Caedo, veterano de la Guardia del Esternón con fama de purgador de herejes, representa la fuerza bruta y la presencia inamovible: un tanque con armadura que avanza sin retroceder y convierte el campo de batalla en una trituradora. Nyra Veyrath, Celestian de las Hermanas de Batalla, propone el lado opuesto, el de la agilidad, la rapidez de movimientos y el fuego purificador que deja cenizas a su paso. La diferencia entre ambos no es cosmética, sino que condiciona la manera de entrar en cada combate, y eso multiplica el valor de la campaña, ya que la misma sala se afronta de forma distinta según quién la pise.

Esa dualidad recuerda, en espíritu, a lo que hizo Dusk con sus rutas de dificultad o a lo que Doom Eternal consiguió con sus enemigos que obligaban a usar cada herramienta del arsenal, aunque aquí el planteamiento es más directo: dos personajes, dos estilos, una misma barbarie. Quien prefiera aplastar con peso y quien disfrute del movimiento ligero tienen cada uno su sitio, y la libertad de elegir antes de empezar es una invitación a repetir la aventura con el otro, algo que el juego aprovecha para dar longevidad sin recurrir a rellenos artificiales.

La campaña ramificada es el segundo gran acierto. Elegir el camino a través de la historia significa que cada bifurcación incluye niveles propios, de manera que no todos los jugadores verán los mismos escenarios en la primera vuelta. Esa estructura rompe con la linealidad que suele definir a los shooters de este corte y aporta un incentivo claro para volver, porque la sensación de haberse dejado cosas por ver es constante. El diseño de los mapas aprovecha el espacio con una generosidad que premia la exploración, con rutas alternativas, secretos y zonas que invitan a salirse del camino marcado, y en esto Boltgun 2 se acerca a la tradición de Quake y de Heretic, en los que cada rincón escondía una recompensa.

Los escenarios son, además, un catálogo de la estética del universo. Desde las alturas colosales de una ciudad colmena hasta los pantanos impenetrables de manglares en una jungla, pasando por el mismísimo corazón del Ark of Omen, el juego pasea al jugador por entornos que mezclan lo monumental con lo opresivo. Cada localización plantea sus propios retos, y la variedad de ambientes evita la monotonía que amenaza a cualquier shooter de ritmo constante. La ciudad colmena ofrece verticalidad y estructuras que parecen reclamar el cielo, la jungla propone espacios cerrados y vegetación asfixiante, y el Ark of Omen aporta ese aire de leyenda que cualquier aficionado a la saga reconoce con un escalofrío.

En lo visual, el juego conserva la apuesta por una estética de píxeles gruesos y texturas de baja resolución que rinde homenaje a los clásicos de los noventa, pero la dota de una riqueza de detalle y de una iluminación que serían imposibles en aquella época. Los modelos de los enemigos, los efectos de las explosiones, la sangre que salpica y los escenarios cargados de ornamentación gótica componen una identidad visual propia, a medio camino entre la nostalgia y la modernidad. El resultado es de un colorido violento, saturado de rojos infernales y verdes enfermizos, que acentúa la sensación de estar atravesando un mundo condenado. Pocos juegos logran tanta personalidad con una paleta tan deliberadamente cruda.

El combate es el corazón del conjunto, y se construye sobre las bases explosivas de la primera entrega. El arsenal reúne una selección de armas devastadoras que van desde la espada sierra, ideal para el cuerpo a cuerpo más sanguinario, hasta la escopeta que convierte a los enemigos en una explosión de píxeles y sangre, pasando por el lanzallamas con su torrente de fuego líquido. Cada herramienta tiene su momento y su personalidad, y la sensación al disparar es la de un contundente impacto, con ese retroceso audiovisual que hace que cada pulsación del gatillo parezca tener consecuencias reales. Es el tipo de feedback que distingue a los grandes shooters, el mismo que hizo de Doom 2016 un nuevo estándar, y que aquí se entrega con una generosidad deliciosa.

Las armas nuevas amplían el repertorio y renuevan la sensación de descubrimiento. A medida que el arsenal mejora, los enemigos lo hacen con él, y esa escalada mutua es la que sostiene el ritmo de la campaña. Ningún momento permite al jugador sentirse cómodo durante demasiado tiempo, porque cada nueva herramienta llega acompañada de un nuevo tipo de amenaza que la pone a prueba. Es una dinámica conocida, pero la ejecución es tan precisa que resulta casi irresistible, con un diseño de encuentros que alterna oleadas masivas con enfrentamientos más tácticos y con arenas pensadas para que el jugador despliegue todo lo que sabe.

El bestiario merece un capítulo propio. Las cuatro facciones de los dioses del Caos, Nurgle, Tzeentch, Khorne y Slaanesh, desfilan por los niveles con sus respectivas legiones, y el juego aprovecha la identidad de cada una para variar el comportamiento en combate. Los Bloodletters y sus Juggernauts demoníacos son una fuerza casi imparable que carga con hambre de sangre, una amenaza que obliga a moverse sin parar y a buscar el hueco entre embestidas. Las Daemonettes, por su parte, saltan con gracia por el campo de batalla mientras los Marines del Ruido despliegan su devastador armamento sónico, y esa mezcla de elegancia macabra y poder de fuego ofrece un contraste visual y táctico que enriquece cada refriega. Destrozar a todos ellos de forma visceral y gloriosa es, sencillamente, el objetivo, y el juego sabe convertirlo en una fiesta.

La progresión, tanto del arsenal como de las amenazas, se siente orgánica. Cada área introduce una nueva pieza en el tablero y cada nuevo enemigo plantea una pregunta que el jugador responde con las herramientas de que dispone, de modo que el aprendizaje ocurre mientras se dispara y no en pantallas de instrucciones. Una sutil curva de dominio premia la lectura del campo, la gestión de los recursos y la anticipación a los patrones de ataque, y convierte a un recién llegado en un ejecutor eficaz sin que se note el trayecto. Esa cualidad, la de enseñar jugando, es una de las grandes virtudes del género, y el título la domina con soltura.

Conviene detenerse en el feeling del movimiento, porque ahí se juega buena parte de la identidad del título. Correr, esquivar y recolocarse tiene un peso distinto según el personaje elegido: Malum Caedo transmite la inercia de una armadura que no admite titubeos, mientras que Nyra Veyrath ofrece una ligereza que invita a danzar entre los proyectiles. Esa diferencia en el tacto cambia la lectura de cada arena, las rutas que se escogen y hasta el orden en que se priorizan los objetivos, y refuerza la impresión de que no se trata de dos pieles sobre un mismo esqueleto, sino de dos maneras de entender el combate. Es el tipo de detalle que separa a un shooter competente de uno memorable, y que invita a regresar a la campaña con el otro protagonista para comprobar cuánto cambia la experiencia.

El humor negro, por último, funciona como pegamento tonal. El exceso de sangre, la brutalidad exagerada de las ejecuciones y la solemnidad impostada de los discursos guerreros se combinan con una ironía implícita que reconoce lo absurdo de la guerra eterna sin dejar de rendirle homenaje. Esa mirada, a la vez devota y burlona, es la que permite que el juego sea disfrutado tanto por los fieles del universo como por quienes solo buscan disparar a cosas, y que su violencia, lejos de resultar desagradable, tenga algo de caricatura gloriosa.

En lo narrativo, el juego no pretende competir con novelas ni con cinemáticas de gran presupuesto. Su relato es el de una cruzada que continúa donde se dejó, un hilo conductor que justifica los viajes entre mundos y que conecta con la mitología de Warhammer 40,000 sin necesidad de grandes explicaciones. Quienes conocen el universo encontrarán referencias, nombres y lugares que alimentan la nostalgia del aficionado, y quienes lleguen sin conocimientos previos sentirán, al menos, la grandiosidad de una guerra sin fin. Es un enfoque inteligente, que prioriza la acción pero deja entrever un fondo de enorme riqueza, y que cumple con lo necesario para dar peso a cada misión.

El sonido, como cabía esperar, es protagonista. El rugido de las armas, el estruendo de las explosiones, los gritos de los demonios y el crujir de la carne bajo la espada sierra componen un paisaje sonoro que acompaña cada instante de la acción. La música, de guitarras pesadas y percusión contundente, mantiene la adrenalina en alto, y el juego remata su apuesta con una pista invitada de Mick Gordon, el compositor que cambió para siempre el sonido de Doom, reservada para el combate final. Aniquilar al último jefe con sus riffs de fondo es una promesa que cualquier aficionado al género leerá como una declaración de intenciones, y que sitúa al título a la altura de las grandes celebraciones sonoras de la historia de los shooters.

Merece también un elogio el cuidado puesto en la accesibilidad. Las herramientas de navegación, opcionales, incluyen una guía y un automapa que ayudan a moverse por los niveles sin perder el ritmo ni salirse del centro del combate. Es una decisión inteligente en un género conocido por sus mapas laberínticos, donde la búsqueda de una llave o de una puerta puede romper el flujo de la acción, y que demuestra respeto por el tiempo del jugador. Quien disfrute de perderse y descubrir puede ignorarlas; quien prefiera concentrarse en el fuego puede apoyarse en ellas, y en ambos casos la experiencia se mantiene fluida.

En lo técnico, el juego responde con una solvencia notable. Los combates, que llegan a reunir a un buen número de enemigos en pantalla junto a efectos de partículas, explosiones y proyectiles, se mueven con fluidez, y la respuesta de los controles es inmediata, algo esencial en un título en el que un instante de retraso puede costar la vida. La cámara, el apuntado y el movimiento transmiten una precisión que se agradece, y las transiciones entre combate y exploración se suceden sin tropiezos. Esa estabilidad permite que la mente se concentre en lo importante, que es reducir a escombros a todo lo que se mueva, y confirma que Auroch Digital ha pulido el motor con esmero.

Tampoco conviene olvidar el diseño de los niveles como elemento de ritmo. Los mapas alternan zonas abiertas, donde el combate se despliega con libertad, con pasillos estrechos que concentran la tensión, y en cada transición el juego regula la presión con maestría. Los momentos de respiro, con ocasiones para descubrir secretos y recoger munición, dan paso a la siguiente oleada, que sacude con la fuerza de una tormenta. Ese vaivén es lo que mantiene la atención del jugador durante horas, y lo que evita que la acción, por frenética que sea, caiga en la monotonía. Cada mapa respira con un pulso propio, y el conjunto se siente como una sucesión de pequeñas obras de teatro violentas.

El único reproche posible es el que acompaña a cualquier secuela que se mantiene fiel a su base: la fórmula, aunque pulida y ampliada, no reinventa nada, y quien esperase una revolución encontrará una evolución. Pero esa fidelidad es también su mayor fortaleza, porque el sistema de combate funciona y los añadidos, desde los dos protagonistas hasta la estructura ramificada, aportan suficiente frescura para justificar la vuelta. En un panorama en el que muchos boomer shooters se limitan a imitar con torpeza a Doom, Boltgun 2 aporta la ventaja de una licencia con carácter, que le concede una personalidad difícil de replicar.

La comparación con Warhammer 40,000: Space Marine 2 resulta inevitable, aunque conviene subrayar la diferencia de espíritu. Donde aquel apostaba por el espectáculo cinematográfico y la tercera persona, este lo hace por la inmediatez y la velocidad de la primera persona, por una violencia más cruda y por un humor más descarado. Son dos maneras distintas de entender el mismo universo, y que ambas convivan habla bien de la versatilidad de la franquicia. Boltgun 2 es la versión arcade, la que se juega con la adrenalina por encima del cálculo, y la que recuerda que la guerra en el lejano futuro oscuro también puede ser, de vez en cuando, una fiesta de explosiones y gritos.

Queda, al terminar, la sensación de haber atravesado un viaje intenso y bien medido. La campaña, ramificada y variada, ofrece suficiente material para justificar varias partidas con los dos héroes, y el combate se mantiene afilado hasta el último disparo. Es un juego que sabe lo que es y lo que quiere ser, que no se distrae con ambiciones ajenas a su propuesta y que convierte la repetición del gesto de disparar en un placer renovado. Cuando se apagan las luces del último nivel y las guitarras de Mick Gordon se desvanecen, lo único que queda es el eco del bólter y la certeza de que, en el cuadragésimo primer milenio, la paz solo existe como intermedio entre dos masacres.